Movimientos de la Revolución industrial

Arts & Crafts

Inglaterra, a mediados del siglo XIX, daba lugar a un movimiento cuyo objetivo era desarrollar una postura en contra de las transformaciones que generó la revolución industrial; pretendía ensalzar a los artesanos y a los diseñadores. Uno de sus representantes fue Willia Morris.

Art Nouveau

Surge a finales del siglo XIX. Al igual que el movimiento inglés Arts and Crafts, el Art Nouveau reacciona frente a la creciente industrialización; las ideas de los artistas Ruskin y Morris, sobre la reivindicación y la validez de la artesanía y la identificación de lo bello y lo útil en ella, fueron de gran influencia para la base de este movimiento. El Art Nouveau se extiende por Europa y participan todo tipo de artistas, durante las dos últimas décadas del siglo XIX y la primera del XX.

Por una parte, la arquitectura de los nuevos materiales requiere un estilo propio, ornamental, que se manifiesta en el dinamismo de la línea curva y que se impone así mismo en las artes aplicadas, el grabado y la ilustración.

La denominación del movimiento varía según los países: en Alemania Jugendstil, por la revista Jugend; en Italia, Stile Liberty; en Austria, Sezessionstil, y en España Modernismo. Pero el nombre que más difusión alcanza es el de Art Nouveau, que se debe a la tienda de París, Maison de l´Art Nouveau. En cada uno de estos lugares destacan artistas como Morris, Mackmurdo y Beardsley (Inglaterra); Victor Horta y Henry Van de Velde (Bruselas); Hector Guimard (París); Moser, Hoffmann y Klimt (Viena), y Gaudí, en España. Contribuyen a promover esta estética revistas como la inglesa The Studio, la alemana Pan y la austríaca Ver Sacrum, exponente de las ideas de la Secesión de Viena de 1897; sin olvidar la Exposición Universal de París de 1900. El sentido de libertad y de innovación que los modernistas consiguen en la arquitectura y la importancia que adquiere el diseño para las artes aplicadas, constituyen la herencia del modernismo para el arte del siglo XX.

Art Deco

Este movimiento engloba las artes decorativas producidas en Europa y América en las décadas de 1920 y 1930. La denominación tiene su origen en la "Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes" celebrada en París en 1925. Es un estilo que aboga por una vuelta a la calidad artesanal e individual de la pieza en clara oposición con el carácter industrial que proponía la Bauhaus por la misma época. Las artes decorativas, el teatro, el music hall, el cine, la fotografía, la publicidad, y la arquitectura fueron los terrenos que más cultivó este movimiento. Uno de los fines fundamentales de esta corriente es acabar con la distinción entre las bellas artes y las artes decorativas. En palabras de Bevis Hillier Art Decó es: "Un estilo decididamente moderno, su inspiración le venía de varias fuentes, desde la parte más austera del art nouveau , el cubismo , los ballets rusos, el arte de los indios norteamericanos y la Bauhaus; era, al igual que el neoclasicismo y a diferencia del rococó, un arte clásico, en tanto que tendía a la simetría frente a la asimetría, o a lo rectilíneo frente a lo curvilíneo". Su difusión fue tan amplia que, a excepción del art nouveau, ningún otro estilo ha marcado quizás de forma tan unitaria un determinado período. A partir de la década de 1970 se produce un resurgimiento de su valoración.

Deutscher Werbund

Movimiento reformista acorde con el desarrollo industrial que se fundó entre los inicios del siglo XX y la primera guerra mundial.

En 1907, el diseñador Hermann Mathesius ayudó a fundar la Deutscher Werkbund, una asociación de manufactureros, arquitectos, artistas y escritores, cuyos objetivos estaban determinados a encontrar una nueva línea de diseño funcional basada en la máquina. En una de las primeras convenciones se declaró que "No existen límites establecidos entre la herramienta y la máquina".

En palabras de Simón Marchán Fiz, el primer período del Deutscher gira en torno a las relaciones entre la artesanía y la estética de la máquina, los procesos de racionalización del diseño, la tipificación de los modelos y la estandarización de los productos, los modos para lograr un "estilo alemán" diferenciado. En suma, desde su fundación y en su gestación, la Werkbund aspira a vincularse a través de la producción con el espíritu homogeneizado de la época técnica así como presupone el consumo masivo que fomenta la metrópoli. (Simón Marchán Fiz)

Más tarde dicha asociación influyó para la creación de la Bauhaus.

Bauhaus

El movimiento, que se empezó a generar en Werkbund, por la aceptación de nuevos materiales así como de los métodos de trabajo de la sociedad racionalizada industrial y tecnológica tuvo su impulso cuando Walter Grophius ocupó el puesto de Henry Van de Velde (arquitecto y diseñador belga) como director de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar. Esta escuela se convertiría en 1919 en la Bauhaus, cuyo lema era "Arte, ciencia y tecnología".

Movimiento que tuvo lugar en París entre 1918 y 1925, y estuvo estrechamente ligado a la nueva estética del " arte de la máquina". Sus fundadores son Ozenfant y el pintor y arquitecto suizo Le Corbusier; ambos escribieron "Aprés le Cubisme" que fue publicado en 1918 por la revista L´Esprit Nouveau. Una de sus principales tendencias era la simplicidad, la utilización de materiales industriales y la importancia de estos materiales a la hora de influir en las decisiones relacionadas con el diseño.

El Purismo fue un movimiento defensor de una pintura desvinculada de valores emocionales, totalmente racionalista y rigurosa, destituida de toda subjetividad y de cualidades objetivas. Concedieron enorme importancia a las "lecciones sobre precisión inherentes de las máquinas"; sus estrictos postulados exigían una adaptación de la forma a la función y se prohibía cualquier signo de azar. La emoción y expresividad deben estar estrictamente separadas del "lirismo matemático", que es el responsable de un cuadro bien compuesto. La geometría es fundamental en la composición, regulando la disposición de los objetos. Sus cuadros más característicos son naturalezas muertas realizadas de manera un tanto fría e impersonal. La doctrina funcionalista tuvo un importante eco entre artistas y escritores gracias a los artículos publicados en la revista L´Esprit Nouveau, pese a lo cual el purismo no logró fundar una escuela permanente de pintura. Su mayor herencia se encuentra en las obras y arquitecturas de Le Corbusier

Dadá

Movimiento de postguerra fundado y bautizado el 16 de febrero de 1916, en Zurich, Suiza. Entre sus expositores más importantes se encuentran Hugo Ball, Emy Hennings, Marcel Janco, Tristán Tzara, Hans Harp, más adelante Marcel Duchamp y Francis Picabia. Se destacaba por ser un movimiento contestatario, se ubicaba en una situación marginal, por un lado, respecto al arte tradicional y al nuevo; por otro, a la coexistencia en su seno de la abstracción con la representación fuera de los márgenes academicistas, es decir, promovían aquellas obras pictóricas que eran tachadas de inútiles, y que más bien eran tratadas con estrategias objetuales. En el dadaísmo hay que distinguir entre concepto y obra. Lo que crearon ellos fueron objetos y soportes, hasta cierto punto polémicos, que proclamaban la supremacía del azar sobre la regla, la violencia sobre el orden, la provisionalidad sobre lo eterno. Desarrollaron la utilización de las técnicas del Collage y Assemblage.

Gracias a la declaración de materiales no artísticos en artísticos, Dadá propiciará una extensión del arte, que se liga más con la sensibilidad estética que con las obras artísticas y su permanencia en el mundo.

Tendencias: Alemania, París y Nueva York.

Futurismo

A principios del siglo XX, Italia era considerada, por algunos historiadores, como el país que más correspondía estrictamente a los valores tradicionales del arte y a los ideales clásicos del pasado. El nuevo concepto del futurismo era, por tanto, extremadamente revolucionario. Su portavoz fue Filippo Tommaso Marinetti.

Una de las aportaciones más interesantes en la plástica fue la técnica del simultaneísmo o técnica dividisionista que consistía en dar un tratamiento secuencial (tipo cinematógrafía) a la representación bidimensionalidad. Entre los representantes están Giacomo Balla, Umberto Boccioni y Calo Carrá.

Sus implicaciones arquitectónicas y urbanísticas fueron articuladas por el arquitecto Antonio Sant'Elia, que tomó la ciudad y la tecnología moderna como una meta que había que alcanzar. Sant'Elia veía la ciudad moderna como algo totalmente nuevo, como una máquina gigantesca y ruidosa que tenia que ser construida por los arquitectos: "Debemos inventar y reconstruir la ciudad futurista: debe ser como un lugar inmenso, tumultuoso, lleno de vida, dinámico en todas sus partes; la casa futurista debe ser como una enorme máquina."

La penetración de la vida urbana, con la industria, las fábricas, las estaciones eléctricas, el ruido y la polución, se veían como algo ambicionado, que expresaba las nuevas necesidades de la ideología del dinamismo y de la máquina. En los proyectos para la nueva ciudad de Sant'Elia, basados en anteriores tradiciones tomadas de obras de Otto Wagner en Viena y de Tony Gamier en Lyon, se preveía un sistema de edificios muy altos y combinaciones de tráfico horizontal y vertical. La circulación urbana era aquí, por primera vez, una parte del concepto tridimensional de la ciudad espacial.

A pesar del hecho de que ninguna de las visiones de Sant'Elia fueron efectivamente construidas, el impacto internacional que causaron sus proyectos fue importante. Puede verse reflejado en las casas de apartamentos de Henri Sauvage, en Paris, en los primeros proyectos de Mart Stam, en la obra urbanística de Le Corbusier, y en las edificaciones y planificaciones que tuvieron lugar en Rusia después de 1917. El desarrollo en Italia siguió, a partir de 1918, la tradición clásica. Sólo el proyecto de Mario Chiattone y Ottorino Aloisio, y la fabrica Fiat en Lingotto, cerca de Turin, realizada por Giacomo MatteTrucco (1919 1923), reflejan claramente las ideas futuristas.

Constructivismo Ruso

Uno de los primeros intentos para formular una ideología constructivista fue el folleto Konstruktivism de Aleksei Gan. Vladimir Tatlin, Alexander Calder y Rodechenkho. Ellos fueron los fundadores del Constructivismo, en 1915. El referente inicial del movimiento se encuentra en las primeras investigaciones sobre soporte escultórico que realiza Tatlin, fuertemente influido por el Cubismo de Picasso, París en 1913 y 1914. La consecuencia inmediata, a su vuelta a Rusia, fue la construcción de una serie de maquetas en madera, metal, cartón y vidrio, sin referencia posible al entorno objetivo. Desaparece lo anecdótico en busca de la pureza del arte y adquieren protagonismo las formas geométricas y el espacio frente a la masa. El resultado es un conjunto de fuerzas dinámicas en tensión e interdependientes que se definen como constructivistas.

Rodtchenko se une a las exploraciones escultóricas abstractas de Tatlin en 1916, Gabo y Pevsner lo hacen en 1917, mientras Exter y Popova se incorporan con la pintura. El constructivismo toma cartas en el contexto de la Rusia postrevolucionaria; pero el sistema político impone el sentido práctico. La palabra "constructivismo" parece que se empieza a utilizar por vez primera cuando Gabo y Pevsner publican el Manifiesto Realista (1920) que inicia la separación del movimiento en dos tendencias. Una de carácter utilitario, liderada por Tatlin, que entiende la labor del artista al servicio de la revolución en el campo de la ingeniería y el diseño; y otra cuya naturaleza estética proviene de defender la libertad de creación.

Moholy-Nagy introduce, los principios del Constructivismo ruso, en la Bauhaus y los plasma en su obra teórica y práctica de los años treinta. Durante esta década se percibe la influencia del movimiento en "Cercle et Carré" y en "Abstraction-Crëation", y al final de ella, muchos artistas marchan a Inglaterra. Para entonces las ideas del constructivismo son muy cercanas a las del suprematismo y la abstracción espiritual.

En 1922, aproximadamente, se celebra en Berlín la primera exposición rusa en la Galería Van Diemen, y diversas revistas europeas difunden los principios del constructivismo ruso.

Arquitectura moderna en los Estados Unidos

Frank Loyd Wrigth y la Estética de la Máquina

Para la reconfiguración de la arquitectura del siglo XX, fue básica la toma de conciencia de ciertos fenómenos que se relacionaban entre sí, especifícamente hablamos de: la integración de la investigación científica y de la producción industrial en la actividad arquitectónica. Uno de los personajes que fueron de suma importancia en la teoría y en la práctica fue Frank Lloyd Wright. En una conferencia que celebró en la Hull House de Chicago, el 6 de marzo de 1901, titulada "Arte y oficio de la máquina", Wright expresó una nueva definición básica de la tecnología en relación con la arquitectura. En abierta oposición con aquellas tendencias europeas del siglo XIX (Victor Hugo, John Ruskin y William Morris), que le habían influido en la juventud, Wright ya no rechazó la máquina ni la producción industrial como un mal, sino que las consideró como un instrumento y un elemento importante en el proceso del diseño.

Rindiendo tributo a William Morris, destacó la sencillez como una de las nuevas metas a conseguir, paralelamente a Paul Cezanne que queria tratar la naturaleza "mediante el cono, el cilindro y la esfera". La iglesia de Wright en Oak Park, Illinois (Unity Church), construida en 1906, es uno de los ejemplos mas convincentes.

La casa de Francisco Terrace, de Wright, en Chicago, construida en 1895, es uno de los primeros intentos y realizaciones que se enfrentan con el problema social de la vivienda de masas en una gran ciudad. La disposición de los apartamentos en casas de dos pisos concebidas alrededor de un patio interior abierto, la combinación de comunicación y aislamiento privado (cada piso tiene entrada directa del exterior) y la efectividad económica, convierten a esta edificación en una obra pionera, precursora del siglo XX.

La obra doméstica de Wright se considera pionera en lo que a arquitectura moderna con la vida actual, se refiere. La mayoría de las casas que se hallan en Oak Park y en los alrededores de Chicago fueron construidas contando con un presupuesto mas que reducido. La analogía tecnológica y el uso de técnicas de construcción relacionadas con la producción industrial fue adoptada por sus contemporáneos. La casa de E. A. Gilmore en Madison, Wisconsin, de 1908, recibió el apodo de "La casa del avión". Tanto la elevación de las habitaciones principales como el puente de contrapeso de los tejados y la planta aerodinámica con cuatro alas, puede haber contribuido a este nombre metafórico.

La casa Robie, en Chicago, construida en 1909, recibió el apodo de "El Acorazado" por su analogía con la antigua llota naval del siglo XIX. La metáfora sugería el nuevo concepto general de la casa que Wright supo establecer. La antigua forma de caja que debía tener una casa fue remplazada por una interpenetración de los espacios con un equilibrio dinámico.

Las revolucionarias innovaciones de Wright fueron paralelas a los experimentos con casas prefabricadas realizados por Thomas Alva Edison, quien inventó y construyó un prototipo de casas de dos pisos. Edison aprovechó también las ventajas de los nuevos materiales sintéticos, a base de hormigón armado, en su fabrica de New Village, en Nueva Jersey, construida y diseñada para lograr fabricar 144 casas por año.

Otro paso revolucionario fue dado en aquel mismo año de 1907 por Alexander Graham Bell que trabajaba desde 1901 con células tetraédricas en sus experimentos con cometas, y construyó, con esos elementos de tubos huecos de aluminio, una torre de unos 25 metros de altura. Los nuevos materiales sintéticos y el nuevo concepto del espacio y de su distribución combinaban la extrema ligereza con una gran resistencia, de modo que puede considerarse como uno de los fundamentos básicos de los posteriores intentos de maximalizar los principios del diseño. Bell expresó con ello su objetivo de conseguir una "fuerza tridimensional", que finalmente desarrolló en sus experimentos con aviones y con la fundación de la Asociación de Experimentos Aéreos en octubre de 1907.

Las relaciones interdisciplinarias que se desarrollarán entre la tecnología, la producción industrial y la ciencia pueden apreciarse ya en las obras de Frank Lloyd Wright, Thomas Alva Edison y Alexander Graham Bell, que tienen un mismo nivel y representan una investigation similar. El nuevo concepto del espacio se manifestaba en diferentes dominios e incluia industria y tecnología.

El desarrollo en California corrió paralelo a muchas de estas tendencias: las casas realizadas por Maybeck, GUI, los hermanos Greene, W. J. Polk, F. L. Wright, Lloyd Wright, R. M. Schindler y R. J. Neutra definen una diferente realidad geográfica. El primer proyecto de R. Buckminster Fuller para la casa Dymaxion en 1927 (una compleja estructura integrada de factores científicos, industriales y arquitectónicos) se convirtió en prototipo del nuevo desarrollo, que sólo algunas décadas mas tarde iba a ser llevado a una plena realización.

Arte Minimal

Este movimiento se manifiesta principalmente en el campo de la escultura, teniendo como característica principal su fisicalidad; las piezas minimalistas son en general esculturas enormes, hechas con materia prima industrial y resultan en superficies pulidas, lisas y brillantes sin el efecto de materia o textura, ni referencias líricas o ideológicas. Casi siempre son estructuras únicas que constituyen sistemas visuales. El minimal art se manifestó en varias exposiciones en Estados Unidos, entre 1965 y 1968, recibiendo diferentes denominaciones: Estructuras Primarias (1966), Arte Elemental, ABC Art, Arte Reductiva, Escultura Gestáltica, Arte Serial, Arte Modular, Arte Estructuralista.

El Minimal Art fue precedido en el campo de la pintura por la llamada Abstracción Fría (Ad Reinhardt, Barnett Newmann) y por el Hard-Edge Painting, término que significa más o menos pintura de contornos duros (haciendo referencia a los acabados industriales), y que fue denominado así por Clemente Greember. Por lo menos, fue él quien primero apoyó esta pintura en la exposición que organizó para el Museo de Los Angeles, denominada Abstracción Pós- Pictórica. Pero la primera muestra específica de Minimal Art tiene lugar en la Galeria Fischbach, de Nueva York, en 1962.

Entre los artistas más destacados son: Mathias Goeritz, Tony Smith, Ellsworth Kelly, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Richard Serra, Carl André, Sol Lewitt e Ramirez Villamizar, Amilcar de Castro, Carlos Fajardo y Eduardo Sued.

Postminimalismo

Es un estilo que nace en reacción al minimalismo, en contra de su rigidez geométrica, de su ideología austera. Y en oposición al Arte bien hecho, el postminimalismo aspira a un Arte sucio como un acto de provocación. Tiene una nueva sensibilidad que subraya la vulnerabilidad del Arte y de la vida. Concibe el Arte como objeto no comercial, como actividad artística, como comportamiento. Representante de este movimiento artístico es Hesse que realizó esculturas con materiales no resistentes, pobres y poco manipulados.

A cerca de Eva Hesse:

La originalidad de Eva Hesse ha sido, en ocasiones, comparable a las expresiones inventivas de Marcel Duchamp y a la ingeniosidad presente en la obra de Francis Picabia, al ser capaz de adoptar una iconografía y el uso de unos materiales que rompen de una manera directa con lo que hasta ese momento se había entendido por escultura y por el manejo novedoso de materiales experimentales.

A mediados de la década del 60, Eva Hesse reacciona contra el aspecto rígido de la escultura minimal y rechaza la idea de trabajar con formas programadas. En compañía de Robert Morris y Keith Sonnier comienza a explorar las nuevas posibilidades de la escultura, utilizando materiales blandos, que debido a su flexibilidad y flacidez, pudieran ser fácilmente deformables. En 1967 lleva a cabo sus primeras esculturas en látex y un año después realiza esculturas en libra de vidrio. La escultora le confiere al material, una capacidad de autotransformación que no está relacionada con la manera tradicional de manipular los materiales para obtener un objeto escultórico. La forma final y definitiva se convierte en una búsqueda de la antiforma, entendido como proceso que no contiene en sí mismo un cierre definitivo, previamente determinado por el escultor, sino que la naturaleza plástica y transformable de los propios materiales, irá alterando, mediante sus características estructurales, combinadas con el efecto del azar, el grado de modificación autónoma que habrá de sufrir el propio objeto escultórico. Es decir, el artista propiciará procesos de descomposición y recomposición de los materiales, inducidos por la naturaleza y la estructura -deformable y transformable- presente en los materiales mismos.

Este interés en salvaguardar una dimensión, donde el cambio y la modificación de la forma se vuelvan en cierto sentido autónomas, la llevará a utilizar en su trabajo, materiales sumamente flexibles e inestables como el cordón, la tela engomada, y una gran variedad de elementos efímeros con los que logra expresar un nuevo sentido de la masa escultórica, a través de una valoración novedosa de la línea, la forma la textura y el color, que harán de su trabajo una expresión original y totalmente inédita.

Colectivo hematoma es un experimento visual formado por 17 diseñadores gráficos de la ciudad de Guadalajara, México.

Arte conceptual

La muestra que inaugura el arte conceptual se realizó en Berna (Suiza), en 1969 y se intituló Live in your Head - When Attitudes Become Form, y reúne conceptos, procesos, situaciones, informaciones y documentos. En el catálogo de la muestra, Grégorie Muller afirma que "el artista no tiene razón ya de sentirse limitado por la materia, la forma, la dimensión o el lugar. La noción de la obra puede ser sustituida por algo cuya única utilidad es significar". Es en otras dos exposiciones en donde se confirma esta tendencia: Conceptual Art - No Object, en el Museo de Leverkusen, realizada en 1969, y que sólo existió en el catálogo, la portada fue el contenido y soporte de la muestra; y la exposición Information - Summer 70, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, con la presencia de artistas brasileños. En la muestra de Leverkusen, Rolf Wedewer afirma que "un ante-proyecto presentado como forma final indica tanto en el observador como en el artista una nueva actitud. El artista da una indicación, y el espectador se ve impulsado a reflexionar y a imaginar".

El arte conceptual se cuestiona y reflexiona sobre sí mismo, es el arte sobre el arte. Se trata de un artesano mental, como escribía Abraham Moles: "el artista no lucha más con la materia que con la idea, ya no hace mas obras sino que propone ideas para hacer obras". Es por tanto un arte "paravisual": lo que acaba siendo una estructura representativa. El arte conceptual exige la participación mental del espectador.

Entre los artista más destacados están: John Baldessari, Mel Bochner, Joseph Kosuth, On Kawara, Arakawa, Bernard Venet, Sol Lewitt, Daniel Buren, Dan Graham, Ian Baxter, Hanne Darbowen y Marcel Broodthaers. En Brasil los artistas, Antonio Dias, Cildo Meireles, Waltercio Caldas y Barrio.

Bibliografía:

http://movimientosartisticosteoricos.blogspot.com.co